W epoce Bacha organy piszczałkowe były jednym z najbardziej zaawansowanych technologicznie instrumentów na świecie. Stefano Bianchetti/Corbis za pośrednictwem Getty Images

Wyobraź sobie wielki dom na wzgórzu, po zmroku, w jesienną noc. Gdy drzwi się otwierają, organy przebijają się przez gęstą ciszę i odbijają się echem w przepastnych korytarzach.

Melodia, która przychodzi do głowy wielu osobom, będzie melodią Jana Sebastiana Bacha Toccata i fuga d-moll BWV 565, utwór organowy skomponowany na początku XVIII wieku. Większość ludzi dzisiaj uznaje to za dźwiękową ikonę pewnego rodzaju strachu: nawiedzonego i archaicznego, czegoś, co prawdopodobnie stworzy ktoś – być może duch – ubrany w smoking i czający się w opuszczonej rezydencji.

 Bach nie przypuszczał, że jego blisko 9-minutowy utwór organowy tak mocno skojarzy się z nawiedzonymi domami i złowrogimi machinacjami. Jako muzykolog którego obecne badania skupiają się na muzycznej reprezentacji tajemnicy, historię tej piosenki postrzegam jako klasyczny przykład tego, jak znaczenie, zastosowanie i cel muzyki mogą zmieniać się w czasie.

30 sekund czystego napięcia

Bach był uzdolnionym technicznie rzemieślnikiem muzycznym i znawcą kompozycji. W swojej pracy starał się sumiennie służyć swojemu pracodawcy, niezależnie od tego, czy był to kościół luterański, dwór królewski, czy rada miejska. Nie przypominał sławnych kompozytorów późniejszych epok – Mozart, Haydn, Liszt – którzy wykorzystali swoje talenty do budowania sławy i zwiększania swoich wpływów.

Jako badacz Bacha Christoph Wolff wskazał, Toccata i Fuga należą do repertuaru wirtuozowskich utworów popisowych, które Bach stworzył, aby zademonstrować swoje umiejętności jako organisty.

Dla Bacha, który nie pozostawił żadnych dokumentów dotyczących tego utworu, utwór miałby jedynie charakter funkcjonalny, był sposobem na pokazanie możliwości organów i dobre wykorzystanie swojego talentu – a nie wskazywał na emocje, historie czy inne pomysły.

Muzyka Toccaty i Fugi Bacha w dużej mierze zawdzięcza swoją grozę dramatyzmowi, którego używa: Harmonicznie osadzona jest w ponury, pomniejszy tryb jest to zazwyczaj powiązane z bardziej negatywnymi emocjami, takimi jak smutek, nostalgia, strata i rozpacz.

W tym trybie molowym uwalniany jest uderzający kontur melodyczny. Pierwsza wysokość utworu to piąty stopień skali, a nie pierwszy ton skali. Nieoczekiwana notatka powoduje niepewność. Potem następuje szybkie zejście w dół gamy d-moll po początkowym migoczącym ornamencie.

Dodaj do tego ciche tło i ciężarne przerwy pomiędzy frazami muzycznymi, a pierwsze 30 sekund to czyste napięcie. Następuje mocno kontrastująca faktura – z mnóstwem nałożonych na siebie nut – wprowadzając dźwiękowe zderzenia i bogatą harmonię, która puchnie mocą.

Po tym porywającym początku utwór porusza się szybko, niestrudzenie podążając za schematem solowych figur przeplatanych masywnymi, dudniącymi akordami.

Nawiedzający efekt organów

Dźwięki organów piszczałkowych dodatkowo wzmacniają upiorne brzmienie utworu.

W epoce baroku – około 1600–1750 – organy osiągnęły szczyt popularności. Był to wówczas jeden z najbardziej zaawansowanych technologicznie instrumentów ludzkości, a muzycy rutynowo wykonywali muzykę organową podczas nabożeństw i koncertów odbywających się w kościołach.

Ale jako muzykolog Edmond Johnson wyjaśnił, wiele instrumentów preferowanych w epoce baroku, takich jak organy i klawesyn, wyszły z mody w XIX wieku, przechowywane w magazynach, gdzie gromadziły się kurz.

Kiedy historycy muzyki i zwolennicy odrodzenia muzyki starożytnej po raz pierwszy po ponad stu latach przechowywania wypuścili te instrumenty do publicznych występów, dla publiczności nieznane obecnie instrumenty brzmiały archaicznie i skrzypiąc.

Muzykolog Carolyn Abbate argumentowała że muzyka może być „lepka”, gromadząc nowe znaczenia w miarę zmiany kontekstu i upływu czasu. Można to zobaczyć po drodze Słynne „Ave Maria” Schuberta – pierwotnie napisana jako dodatek do słów wiersza Waltera Scotta „Pani Jeziora” – związała się z katolicką muzyką dewocyjną. Albo sposób „Dziadek do orzechów” Czajkowskiego przekształcił się z niedocenianego baletu neoromantycznego w XIX-wiecznej Rosji w popularną coroczną tradycję bożonarodzeniową w USA

Piosenka, która utknęła

Jak więc utwór został skojarzony z Halloween?

Jeden z przełomowych filmów prawdopodobnie przyczynił się do wrażenia, że ​​Toccata i fuga Bacha zwiastuje coś nikczemnego: Wydanie 1931 z „Dr. Jekyll i pan Hyde. Słynna adaptacja Rubena Mamouliana Powieść Roberta Louisa Stevensona używa Toccaty Bacha w napisach początkowych. Napisy początkowe do filmu „Dr. Jekyll i pan Hyde” (1931).

Utwór wprowadza ton napięcia i sugeruje głębię zła, z jaką dr Jekyll zetknie się w swoich eksperymentach. W filmie dr Jekyll jest przedstawiany jako organista-amator, który lubi grać muzykę Bacha, więc słuchaczowi z łatwością można odnieść dramatyczny, trzymający w napięciu i złożony charakter Toccaty do doktora Jekylla i jego alter ego.

Od tego czasu muzykę tę wykorzystano także w innych strasznych filmach i grach wideo, w tym w „Czarny kot” (1934) i „Mroczny Zamek” Seria gier wideo.

Choć sam Bach nie uważałby Toccaty i Fugi d-moll za coś strasznego, jego pochodzenie jako nieszkodliwego utworu koncertowego nie przeszkodzi mu wywołać dreszczy po plecach ludzi w każde Halloween.

Megan Sarno, Adiunkt Muzyki, University of Texas w Arlington

Artykuł został opublikowany ponownie Konwersacje na licencji Creative Commons. Przeczytać oryginalny artykuł.