Muzyczne dziedzictwo reggae Pioneer Lee „Scratch” Perry

W miarę jak zmienia się kształt muzyki elektronicznej we wczesnych latach XXI wieku, wpływ dubu – okrojonej, zmutowanej wersji reggae – na współczesną produkcję staje się coraz bardziej widoczny. W "Remiksologia”, Paula Sullivana chwyta płynność i złożoność dubu jako formy diasporycznej:

Eteryczny, mistyczny, konceptualny, płynny, awangardowy, surowy, niestabilny, prowokacyjny, przejrzysty, postmodernistyczny, destrukcyjny, ciężki, polityczny, enigmatyczny… dub to znacznie więcej niż „riddim i linia basu”, nawet jeśli to też jest. Dub to gatunek i proces, „wirus” i „wir”.

Praca Lee „Scratch” Perry, który w marcu 80 roku skończył 2016 lat, ma kluczowe znaczenie dla naszego dzisiejszego postrzegania dubu. Jego wpływ jest słyszalny w płynnej elektronice Arca i Gałązki FKA; afrocentrycznego spirytyzmu i żywego kolażu dźwiękowego flying Lotus; dźwiękowy mrok i rozległe przestrzenie pogłosu pogrzeb, Wawrzyn Halo i aktorka; oraz praca niezliczonych innych nowatorskich producentów.

Widziany w tym świetle, Scratch jest kamieniem węgielnym współczesnej elektronicznej muzyki popularnej. Ale jego prace są tak bogate w aluzje, a jego osobowość tak wielowarstwowa, że ​​jego wkład można ująć w ramy na wiele sposobów.

„Magic Music” autorstwa Lee „Scratch” Perry'ego.

{youtube}tqMBMXJ9R8M{/youtube}


wewnętrzna grafika subskrypcji


Dobra muzyka to dobra magia

Wywiady ze Scratchem to sala luster dla każdego, kto szuka prostych odpowiedzi lub zadaje proste pytania. zauważa John Corbett że „[Scratch's] to dyskursywne królestwo, kreatywny świat ukrytych połączeń i tajnych paktów ujawnionych w języku”.

Jednak w rozbudowanym dyskursie Scratcha pojawiają się wspólne wątki, idee, które się powtarzają i dlatego wydają się kluczowe dla jego światopoglądu i filozofii muzycznej. ja napisane wcześniej o przestrzeni kosmicznej, cyborgu, naturalnych/ekologicznych i religijnych obrazach w pracy Scratcha. Innym pojęciem, które powraca równie często, jest magia.

W wywiad z Opiekun, niedawno osiemdziesięcioletni Scratch był nietypowo bezpośredni w tej sprawie:

Muzyka to magia. Jeśli masz dobrą muzykę, masz dobrą magię. Jeśli masz dobrą magię, za tobą podążać będą dobrzy ludzie. Wtedy mogą być błogosławieni przez jednego Boga.

Identyfikacja Scratcha jako praktykującego magię jest oczywista w odniesieniu do jego użycia języka, jego wirtuozerii w mowie i piśmie. Może jednak mija się to z celem. Niespokojnie zmieniając język, Scratch popycha go w kierunku odpowiedniego wtórnego wyrażenia złożonej, warstwowej rzeczywistości, którą tak bez wysiłku wyraża w dźwięku.

To, co jest tutaj ekscytujące, nie polega na tym, że możemy myśleć o Scratchu jako o twórcy magii z powodu tego, co nam mówi. Chodzi raczej o to, abyśmy spokojnie i z poczuciem intelektualnego czy akademickiego rygoru uznali magię jego sztuki.

Produkcja jako praktyka magii

Pozycjonowanie dzieła Scratcha jako osiągającego cechy magii nie jest równoznaczne z esencjalizowaniem obrazu samego człowieka, czynieniem z niego karykaturalnego muzycznego mistyka czy szamana. Podobnie, nie zamierzam redukować pracy do zestawu instynktownych, nieintelektualnych funkcji. Wręcz przeciwnie, proponuje się właściwe uznanie pracy Scratcha za nieredukowalnie złożoną, głęboko warstwową, subtelną i zniuansowaną.

Historyk reggae Lloyda Bradleya dotknął tej jakości jego pracy. Bradley potwierdza „intrygę i wielowymiarowość zbyt rzadko nawet próbowaną w reggae” oraz muzyczne idee, które „wyszły daleko poza punkt, w którym logika kazałaby większości ludzi się zatrzymać, do miejsca, w którym instrumentacja nabrała eterycznych cech”.

Filmowiec i autor John Corbett podobnie zauważa, że ​​producent pchnął swój prymitywny czterotorowy Pracownia Czarna Arka w Kingston na Jamajce, „daleko poza wyobrażalne granice”.

Bob Marley z „Natural Mystic”, wyprodukowanym przez Lee „Scratch” Perry'ego w studiu Black Ark tego ostatniego.

{youtube}L33rURGohwI{/youtube}

Wydaje się, że obecnie naglące wydaje się przywrócenie statusu produkcji płyt – w rękach mistrza sztuki, takiego jak Scratch – jako praktyki magii, ponieważ z edukacyjnego punktu widzenia jest to coraz trudniejsze.

Być może zawsze było tak, że nauczanie produkcji jako dyscypliny twórczej wymagało najpierw przezwyciężenia pewnych uprzedzeń: że jest to przede wszystkim działalność techniczna; że istnieją dobre i złe sposoby robienia rzeczy; oraz że sukces produkcji można ocenić obiektywnie.

Dla mnie oznacza to, że chociaż musimy być świadomi niebezpieczeństw związanych z niekwestionowanym mistycznym/mitycznym spojrzeniem na artystę takiego jak Scratch, przeciwne niebezpieczeństwo redukującego stanowiska, które zakłada jego pracę, można po prostu, technicznie, zrozumieć, że wszystkie jego cechy są namacalne i możliwe do powielenia, jest równie istotne.

Autorzy tacy jak Scratch dostarczają bezpośrednich i przekonujących kontrargumentów na wszystkie powyższe. Możemy analizować i dekonstruować produkcję np Ptak w dłoni (z jego albumu „Powrót Super Małpy”, 1978). Możemy zidentyfikować stosowane narzędzia i techniki, a nawet zademonstrować je i powielić za pomocą najbliższych równoważnych dostępnych technologii. Ale robiąc to, nadal tak naprawdę nie zapewniamy szablonu do przerobienia konkretnego brzmienia tego mono-miksu.

Lee „Scratch” Perry'ego „Ptak w dłoni”.

{youtube}vZ7aVyMbZyg{/youtube}

Z pewnością nie zbliżamy się do tej dziwnej magii, która kryje się w niemal nieskończonej liczbie czynników, w tym niezliczonych drobnych decyzjach podejmowanych przez Scratcha i denerwujący żyć do taśmy w jego Czarna Arka studio.

Należą do nich niuanse wykonania i nagrywania; igła wbijająca się w czerwień podczas uderzania w bęben basowy, charakter wynikającego z tego zniekształcenia zależny od rolki taśmy użytej danego dnia; temperatura w pomieszczeniu; kurz i brud na głowicach taśmy; te same czynniki wpływające na każdą warstwę echa dostarczaną przez jednostkę opóźniającą taśmę, zmianę prędkości silnika wewnątrz tej jednostki; ręce na suwakach i filtrach; fizyczne obwody studia, a następnie pod koniec jego życia. Gdy tylko przyjrzymy się uważnie, charakter, dźwięk miksu, okazuje się być fantastycznie złożony, ostatecznie niemożliwy do rozwikłania.

W pewnym sensie jest to jasne i proste. W obliczu redukcyjnego podejścia łatwo jest stwierdzić, że sztuka po prostu tak nie działa. Ale zmieniające się klimaty edukacyjne sprawiają, że alternatywne stanowisko – że sztuka produkcji nie może być dostarczana i mierzona w tak prosty sposób – jest trudniejsze do obrony.

Poza redukcjonizmem

Neoliberalny kontekst edukacyjny wymaga, aby produkt edukacyjny sprzedawany przez uniwersytety był starannie nakreślony, a sukces przedsiębiorstwa łatwy do oszacowania. Ten model „transferu wiedzy” zakłada, że ​​to, co ma być poznane, jest częściowo nieuchwytne, zbyt złożone, by przekazać je w trakcie, powiedzmy, dwugodzinnego wykładu, i sam zrodził się z doświadczenia.

Jeśli pytanie brzmi: jak wpasować magię artystów takich jak Lee „Scratch” Perry w te ramy, sugerowałbym odpowiedź, że nie możemy – i nie powinniśmy tego robić.

W "Nauczanie sztuki w realiach neoliberalnych”, Stefan Hertmans zmaga się z tym, czym może być sztuka jako przedmiot nauczania:

Być może sztuka „działa”, jednocześnie prosto i niezrozumiale, właśnie dlatego, że nie wiemy, czym jest i nie możemy tego przewidzieć. Ponieważ artyści tworzą sztukę, mogą pozwolić sobie na pominięcie pytania o jej istotę: wynika to z tego, czym się zajmują. Ucieleśniają jej istotę w swojej praktyce.

Nie sądzę, żeby to zaszło wystarczająco daleko. Stwierdzenie, że w każdym dziele sztuki istnieją elementy, które są istotne, ale których nie da się łatwo wyjaśnić w technicznie redukujący sposób, nie oznacza „uchylenia się od pytania o jego istotę”. Ma to na celu udzielenie najbardziej merytorycznej, zniuansowanej i zgodnej z prawdą odpowiedzi na to pytanie.

Jedna z najbardziej znanych piosenek Lee „Scratch” Perry'ego, „Disco Devil”.

{youtube}g9PcNQxM_cQ{/youtube}

Szukając przykładu produkcji płytowej jako praktyki magii, nie moglibyśmy sobie życzyć niczego lepszego niż niezwykłe dzieło Lee „Scratcha” Perry'ego. Jako nauczyciel, jeśli jestem zmuszony ignorować ten aspekt pracy Scratcha, odrzucam wiele z tego, czego może on nauczyć.

Spieranie się o magię tej muzyki to argumentowanie o jej statusie sztuki – wyrafinowanej, przekonującej i głębokiej. Gdy Scratch mówi nam że „tchnienie żywego Boga” może przejawiać się w jego dziele jako „doskonała magia, doskonała logika, doskonała nauka”, podkreśla nie wielość ekspresji, ale jedność. Magia, nauka i logika są tu przeplatane, nierozerwalne i nie do odróżnienia.

O autorze

John Harries, wykładowca muzyki popularnej, Goldsmiths, University of London

Ten artykuł został pierwotnie opublikowany w Konwersacje. Przeczytać oryginalny artykuł.

Powiązane książki

at Rynek wewnętrzny i Amazon