Jay-Z jest znanym kolekcjonerem artysty ulicznego Jeana Michela Basquiata. Chłopiec i pies w pompce, 1982

Od stadionów po galerie, nowym pograniczem dzisiejszej gwiazdy megapopu jest sztuka wysoka. Masowa popularność ma swoje uroki – wyprzedaże, światowe trasy, legiony zwolenników – ale przekazująca dziedzictwo siła sztuki jest obecnie ostatecznym znakiem statusu w zachodniej kulturze.

Okrzyk „świadka mi, artysta” to nowa mantra popowej rodziny królewskiej – od Beyoncé, Jay-Z i Lady Gagi po Kanye, a nawet Rihannę. Czy jednak takie objęcie sztuki wysokiej jest zjawiskiem godnym celebracji? A może można by to postrzegać bardziej cynicznie, jako przypadek supergwiazd wykorzystujących sztukę do nadania wiarygodności swojej pracy wbrew własnemu masowemu urokowi?

Trzeba przyznać, że nigdy nie istniała wyraźna granica między światem popu i sztuki – a dlaczego miałaby być? Niektórzy z najbardziej kreatywnych muzyków ostatnich czasów – David Bowie, Keith Richards, David Byrne, Brian Eno, żeby wymienić tylko kilku – zaczęli studiować lub kształcić się w zakresie sztuk wizualnych.

W Australii członkowie zespołu Mental as Anything z lat 80-tych spotkali się w szkole artystycznej w Sydney, a Nick Cave studiował malarstwo, zanim zajął się swoją muzyką. Niedawno Sia, córka artystki i wykładowcy sztuki z Adelaide, Leone Furler, stała się rozpoznawalna dzięki gigantycznym perukom, które zakrywają jej twarz, jej niezwykłemu głosowi i pomysłowym teledyskom przedstawiającym różne kolaboracje taneczne.

{youtube}KWZGAExj-es{/youtube}

Nie można też pominąć fenomenu art rocka, który pojawił się w latach sześćdziesiątych. Niektóre z najbardziej niezwykłych punktów zwrotnych w historii muzyki przypisuje się zwrotowi artystycznemu w twórczości The Beach Boys' Pet Sounds (1966), sierż. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) oraz tytułowy album The Velvet Underground & Nico (1967) pod wpływem sceny New York Factory Andy'ego Warhola.

{youtube}MBruudQ9bgE{/youtube}

Podczas gdy pojawienie się koncepcyjnego albumu miało miejsce w latach 70., pionierzy ery teledysków – Madonna, Michael Jackson, a nawet Prince – zrozumieli wizualne możliwości popowej piosenki lepiej niż wielu im rówieśników. Ich twórczość przetrwała dzięki połączeniu potężnej muzyki i sugestywnej opowieści dzięki filmom takim jak Like a Prayer, Thriller i When Doves Cry.

Ale dzisiaj historia jest inna. Przeważnie piosenka to za mało. Nie znaczy to, że wizerunek jest wszystkim, ale raczej to, że stawka w świecie pop zależy od nowości muzycznych i wizualnych. Dla dzisiejszych liderów popu oznacza to coraz częściej omijanie sal konferencyjnych specjalistów od marketingu w poszukiwaniu artystycznego podziemia.

Tworzenie sztuki z lemoniady

Beyoncé's koncepcyjny album wizualny Lemonadena przykład zabiera słuchaczy w nową, śmiałą formę muzycznego opowiadania historii w stylu Purple Rain Prince'a (1984), Moonwalker Michaela Jacksona (1988) lub, być może, ostatnio, 35-minutowy film Kanye Westa Runaway (2010) i Tropico Lany Del Rey. (2013).

{youtube}Jg5wkZ-dJXA{/youtube}

Przez lata Beyoncé świadomie próbowała pozbyć się swojej osobowości Destiny's Child/Top 40. Lemoniada to osiąga. Równie wysoko-artystyczne, jak i głośne, porusza kwestie osobiste i polityczne, samotność i braterstwo oraz emocjonalne rany niewierności na tle rasy w dzisiejszej Ameryce.

Beyoncé to gobelin z piosenkami, wizualizacjami i lokalizacjami. Gra ocaloną, leczącą się kobietę, próbującą pogodzić się z emocjonalnym następstwem nieudanej miłości. Dzięki filmowej wielkości album pływa w sugestywnych wizualizacjach tajemniczych mocy natury (które przyciągnęły porównania do twórczości Terrence'a Malicka) oraz narracje słowne, w tym poezja londyńskiego, urodzonego w Kenii somalijskiego pisarza Warsana Shire.

{youtube}-gd06ukX-rU{/youtube}

Mnożą się odniesienia do sztuki wysokiej. Niesławna Beyoncé sekwencja władania kijem bejsbolowym w piosence Hold Up oddaje hołd twórczości szwajcarskiego artysty Pipilotti Rist, którego instalacja wideo z 1997 roku Ever is Over All przedstawiała kobietę idącą ulicą i rozbijającą szyby samochodu. Niektórzy oskarżyli Beyoncé o przywłaszczenie, a nie hołd.

W zeszłym roku takie obawy wyrażano w związku z teledyskiem Drake'a do Hotline Bling do złudzenia przypominają instalacje świetlne amerykańskiego artysty Jamesa Turella.

Beyoncé współpracowała również z Nigeryjski artysta wizualny Laolu Senbanjo, którego święte malowanie ciała w filmie.

Tymczasem spostrzegawczy obserwatorzy królowej Bey na Instagramie zauważą na początku tego roku oznaki jej rosnącego kontaktu ze światem sztuki wysokiej. We współpracy z urodzonym w Szwajcarii magazynem Urs Fischer and Garage z siedzibą w Nowym Jorku (Edycja wiosna/lato 2016), Beyoncé podzieliła się swoimi przemyśleniami na temat sztuki za pośrednictwem aplikacji magazynu. Na okładce została sfotografowana z wąsami, pośród gęstego wiru pasteli namalowanych przez Fischera. W wywiadzie opowiedziała o Andy Warhol i jej zainteresowaniach sztuką współczesną, wymieniając nazwiska niektórych jej ulubionych artystów (Tracey Emin, Kara Walker, Aaron Young i Donald Judd).

Interesujące w tym nowym okresie twórczości Beyoncé jest to, że przemieniła się w Benjamina Buttona świata popu – z wiekiem najwyraźniej staje się młodsza, mniej burżuazyjna i bardziej buntownicza.

Chociaż większość z pewnością przyjęła jej nowy, wzmocniony głos, inni fani zastanawiają się jednak, czy mniej skomplikowane, przyjazna dla radia Beyoncé kiedykolwiek wróci.

Żółty Basquiat w moim kąciku kuchennym

We własnym apelu o uznanie artystyczne na jego albumie z 2013 roku, Magna Carta, Holy Grail, na pierwszy plan wysuwają się hiperkapitalistyczne marzenia męża Beyoncé, Jaya Z. W piosence Picasso Baby Jay wymienia ikony świata sztuki (Rothko, Bacon, Basquiat itp.).

W hołdzie samej panującej królowej sztuki performance, Marinie Abramovic, Jay zaadaptował jej (2010) instalację MoMA, Artysta jest obecny – w którym siedziała sześć dni w tygodniu, siedem godzin dziennie na krześle dla „cichej opery”.

Jay zrobił sześciogodzinny występ jego Picasso Baby w Pace Gallery w Nowym Jorku. W filmie o tym, wyreżyserowanym przez Marka Romanka (który również nakręcił swój teledysk do „99 problemów” i jest jednym z reżyserów Lemoniady Beyoncé), Jay rapuje do pokoju pełnego starannie dobranych liderów artystycznych i kulturalnych, od aktora/reżysera Judda Apatow do filmowca Jima Jarmuscha do artysty Andreasa Serrano do samej Abramovic.

{vimeo}80930630{/vimeo}

Zarówno Jay-Z, jak i Abramovic byli w dobrych stosunkach, aż do roku wywiad z magazynem Spike, oskarżyła Jaya, że ​​nie dotrzymał końca umowy biznesowej – a mianowicie sporą darowiznę na jej nowy instytut sztuki performatywnej Marina Abramovic w północnej części stanu Nowy Jork. Obustronnie wymyślona umowa przerodziła się w: niezręczna porażka PR dla obu obozów. (Ludzie Jay-Z potwierdzili później, że w rzeczywistości dokonano darowizny, a Abramovic przeprosił za niedopatrzenie).

To, co jest wyjątkowe (ale nieco przewidywalne) w celebrowaniu świata sztuki przez Jaya, to jego fantazje na ten temat. Picasso Baby to mniej hołdu dla wielkiej sztuki dla sztuki, więcej szacunku dla lekkomyślnych łupów „dobrego” życia. Sztuka jest czczona jako znak potęgi kulturowej i skrajnego bogactwa:

Żółty Basquiat w moim kąciku kuchennym
Śmiało, oprzyj się na tym gównie Blue, jesteś jego właścicielem.

Chociaż niektórzy mogą twierdzić, że Picasso Baby jest „przebojem bramy”, który otwiera młodszych fanów na historię sztuki, ostatecznie piosenka nigdy tak naprawdę nie traktuje tego jako czegoś innego niż „sztukę konsumowaną przez konsumpcjonizm”, jak zasugerował jeden z komentatorów NPR.

Niedaleko nam tu do spostrzeżeń XIX-wiecznego brytyjskiego krytyka kultury Matthew Arnolda na temat elitarności kultury wysokiej. Jest ceniony, pisał, z:

czysta próżność lub jako motor różnicowania społecznego lub klasowego, oddzielający jego posiadacza jak odznakę lub tytuł od innych ludzi, którzy go nie mają.

Od królowej Bey do Rhi Rhi

Ostatnio do gry artystycznej rzuciła się również barbadyjska zła dziewczyna, Rihanna. W jej najnowszym przedsięwzięciu, Anti (2016), istnieje wiele partnerstw artystycznych: artystka urodzona w Izraelu Roya Nachuma i poeta Chloé Mitchell pracował nad notatkami i było wystarczająco dużo producentów i pisarzy, by obsadzić własną drużynę piłkarską.

Okładka albumu do Anty (2016).

Główny singiel, Work, był bardzo oczekiwany i ostatecznie stał się drapieżnikiem. Jej pieszczoty z Drake'iem w teledysku do piosenki były przewidywalnie seksowne, ale przegapiły gorączkową tajemnicę sugerowaną przez bardzo potężną halucynację Antygony / Edypa okładka. (Na płycie młoda Rihanna – oczy zasłonięte koroną zbyt dużą dla jej głowy – trzyma balon i jest przytłumiona krwistoczerwoną plamą, której nie widzi).

W utworach takich jak Woo i Work istnieje rażący rozdźwięk między muzyką a obrazami. Prawdopodobnie Rhianna wydaje się pływać w artystycznych wodach nad głową i jej nie satysfakcjonować Top 40 fanów albo.

Mimo to niedawno wydany teledysk do Needed Me (wyreżyserowany przez renegata sztuki niezależnej) Harmony Korine) ma Łamacze sprężyn spotyka się Człowiek z blizną spotyka Vicelanda w filmie dokumentalnym Miami, dzięki czemu Korine jest idealnym wspólnikiem nihilistycznego zwrotu Rihanny. Z prostą, ale diabelnie mroczną fabułą, Rihanna gra elegancką, dziką morderczynię, dbając o interesy w jedyny sposób, w jaki potrafi.

Pablo robi Picassa

Kanye West tańczy podczas prezentacji swojej kolekcji mody podczas New York Fashion Week 2016, która była również imprezą odsłuchową jego albumu „The Life of Pablo”. REUTERS / Andrew Kelly

Jest też Kanye. Nieznośne elementy „myślenia” na jego najnowszym albumie The Life of Pablo (2016), załamania na Twitterze i ego-mania osiągnęły szczytowy poziom decybeli, ale należy zauważyć, że jako były student szkoły artystycznej Kanye uosabia „dziecko”. ciekawość”, którą niemiecki filozof Frederick Nietzsche tak czule omawia w wielu jego aforyzmy na temat sztuki i tworzenia.

W wywiadach wydaje się, że nie potrafi wystarczająco szybko przelać swoich marzeń na papier – lub do fabryki. Zasugerował również, że obrazy Picassa, Matisse'a zainspirowały jego prace. W wywiadzie z 2013 r. Za maską Kanye z The New York Times, omawiając swoją niedawną miłość do historii architektury, nazywa siebie „minimalistą w ciele rapera”.

Idole sztuki Westa to wyjątkowa mieszanka europejskich i amerykańskich artystów/innowatorów (Walt Disney, Steve Jobs, George Condo, Pablo Picasso, Marco Brambilla, Vanessa Beecroft, żeby wymienić tylko kilku – i nie zapominajmy o jego współpracy z japońskim artystą Takashi Murakami w okresie ukończenia studiów).

W przypadku niedawnej współpracy z filmowcem Stevem McQueenem West otworzył około postrzeganie swojej pracy przede wszystkim jako sztuki, dodając:

Zamieniłbym wszystkie moje Grammy – a może dwie Grammy – aby móc znaleźć się w kontekście artystycznym.

Przy swoim nowym albumie współpracował ze stosunkowo nieznanymi Belgijski artysta Peter de Potter za okładkę. Wpływy artystyczne Westa, gusta mody (Givenchy, Balmain, Raf Simons) i zainteresowania designem (Daily Mail w Wielkiej Brytanii przyłapała go na powrocie ze spotkania z IKEA w Szwecji na początku tego miesiąca), sugerują ducha odkrywcy i poczucie autentycznego twórczego eksperymentowania.

Vanessa Beecroft, jedna ze współpracowników Westa przy jego ostatnich projektach modowych/performance (pokazy mody Adidas Yeezus, trasy koncertowe Yeezus i niektóre projekty Art Basel) wypowiadała się pozytywnie o swoboda artystyczna, którą pozwala na ich projekty. Rzeczywiście, amerykańska moda została ożywiona przez sam jego styl uliczny. Weź pod uwagę tygodniowy skład poza jakimkolwiek sklepem wypuszczającym nowe edycje swoich butów Adidas Yeezus.

Niestrudzone dążenie Westa do artystycznej perfekcji i nowych form wizualnej ekspresji jest mile widzianą pobudką dla coraz bardziej zblazowanego świata zarówno sztuki wysokiej, jak i głównego nurtu rapu. Nawet jeśli rapuje o wybielaniu odbytu i „spragnionych sławy” modelkach z Nowego Jorku, jego obsesja na punkcie zdobywania legitymacji w sztuce wysokiej zaowocowała jednymi z najciekawszych połączeń sztuki, mody i muzyki w ostatnich latach.

Kiedy Koons spotkał Gagę spotkał Botticellego

Oczywiście niemożliwe byłoby dyskutowanie o ostatnich pop/high-artowych kolaboracjach bez wspomnienia o niedocenianym wydaniu Lady Gagi z 2013 roku, ARTPOP. Okładka albumu przedstawiała wybitną współpracę z Jeffem Koonsem, z połamanymi fragmentami Narodzin Wenus Botticellego (1484-6) wplecionymi w tło.

Okładka albumu dla ARTPOP (2013).

W wywiadach Gaga wydaje się być bardzo elokwentna na temat artystycznych procesów i wpływów.

Cytuje Listy Rilkego do młodego poety jako główne źródło inspiracji artystycznych i ma jego cytat o konieczności wytatuowania sztuki na jej lewym górnym przedramieniu. W przypadku ARTPOP jej intencją było: połączyć świat popu i sztuki w sposób, jakiego kultura masowa nigdy wcześniej nie widziała.

Jej potężne i niepowtarzalne piosenki, takie jak Artpop i Venus, zrealizowały cel. Jednak sprzedaż była słaba. Krytycy kwestionowali, czy jej „gra artystyczna” była tak silna, jak jej umiejętności marketingowe, z niektórymi zbyt dosłownymi utworami, takimi jak „Donatella” i „Fashion”.

Stary budynek

Spuścizna artystyczna jest wyraźnie nowym hasłem popu. Jednak dzisiejsze gwiazdy popu mogą chcieć zwrócić uwagę na Arystotelesa, którego obserwacje dotyczące procesu artystycznej kreacji wciąż brzmią prawdziwie. „Celem sztuki – pisał – jest reprezentowanie nie zewnętrznego wyglądu rzeczy, ale ich wewnętrznego znaczenia”.

Historia uczy nas, że wiele artystycznych eksperymentów rozkwita i zanika. Prawdziwi artyści naszych czasów (niezależnie od medium) tworzą dzieła, które łączą się ze złożonością ludzkiej duszy w sposób, w jaki prości materializm i manipulacja osobowością nie są w stanie.

Żadna ilość artystycznych nawiązań ani pozowania nie zastąpi oryginalnej, natchnionej i poszukującej duszy pracy.

O autorze

Blair McDonald, wykładowca dziennikarstwa, komunikacji i nowych mediów, Thompson Rivers University

Ten artykuł został pierwotnie opublikowany w Konwersacje. Przeczytać oryginalny artykuł.

Powiązane książki

at Rynek wewnętrzny i Amazon